А Абстракционизм Автопортрет АР НУВО Ахроматические тона Б Барбизонская школа Блик "Бубновый валет" Бытовой жанр В Валер Веризм Воздушная перспектива Время Выразительность Г Гамма "Голубая роза" Градация Групповой портрет Д Дадаизм Движение Декоративность Дивизионизм Динамика Дополнительные цвета Ж Жанр З "Золотое сечение" И Импрессионизм Интерьер К Клуазонизм Колорит Композиция Контраст Контур Кубизм Л Ландшафт Локальный цвет М Мазок Маккьяйоли Манера Масляная живопись Метод художественный Моделировка Модель Модерн Монохромия Мотив Н "НАБИ","Набиты" Назарейцы Натура Натюрморт Неоимпрессионизм Неоклассицизм Нюанс О Объем Основные цвета Оттенок П Палитра Панно Пастель Пастозность Пейзаж Пленэр Понт-Авенская группа Портрет Постимпрессионизм Пуантилизм Пуризм Р Ракурс Рама Рефлекс Ритм С Салон Салоннное искусство Свет Светлота цвета Световоздушная среда Светотень Сезаннизм Символизм Синтетизм Спектральные цвета Т Тень Теплый цвет Техника Тон Тональность Ф Фактура Фовизм Фон Футуризм Х Холодный цвет Хроматизм Ц Цвет Э Экспрессионизм Экспрессия Этюд Я Яркость цвета

Абстракционизм

(англ. аbstractionism, франц. abstractionnisme, abstractivisme, от лат. abstractus-отвлеченный), беспредметное искусство, конфигуративное искусство, конкретное искусство - направление в искусстве ХХ в., ставящее во главу угла формальные элементы - линию, цветовое пятно и отвлеченную конфигурацию. Абстракционизм сформировался в 1910-х гг. сразу в нескольких европейских странах. Крупнейшими его представителями и основоположниками были В.В.Кандинский и К.С.Малевич в России, П.Мондриан в Голландии, Р.Делоне и Ф.Купка во Франции. Разработанный ими метод отвлеченных построений служил для выражения внутренних закономерностей и постигаемых с помощью интуиции сущностей, которые скрываются за преходящими явлениями видимого мира. Для В.В.Кандинского, К.С.Малевича и П.Мондриана первоэлементами формы были наделенные духовным содержанием живописные знаки, из которых складывались пластические формулы, отражавшие отношения между элементами универсума. Р.Делоне, в свою очередь, отвергая идеалистическую метафизику единомышленников, ограничивался исследованиями живописного языка, концентрируя свое внимание на динамических качествах цвета.

Существуют две разновидности абстракционизма, которые наметились после его появления: геометрический, основанный на правильных четко очерченных конфигурациях (К.Малевич, П.Мондриан и близкий к ним Р.Делоне), и лирический, в основе которого лежат свободно текущие формы (В.В.Кандинский).

Наибольшего расцвета абстракционизм достиг после второй мировой войны, став главным направлением в искусстве стран Западной Европы и Северной Америки.

Современные художники отдают предпочтение лирической абстракции, внутри которой зародились новые течения: абстрактный экспрессионизм (Дж.Поллок, Х.Хофман, А.Горки, Р.Мазеруэлл, М.Ротко, Ф.Клайн), ташизм (Ж.Матье, П.Сулаж, Ж.Базен, Э.Бедова, А.Йорн), иероглифический абстракционизм (М.Тоби, М.Грейвз, Дж.Бисье, А.Мишо), которые утрачивают универсально-метафизическую основу. Эти течения используют абстрактную форму только для непосредственной фиксации психических состояний, переживаний и ощущений художника.

Автопортрет

(от греч. autos-сам и франц. portrait - портрет, англ.self-portrait, франц. autoportrait, нем.Selbstbildnis) - живописное, графическое или скульптурное изображение художника, выполненное им самим при помощи одного зеркала или системы зеркал. Содержит оценку своей личности, своей роли в общественной жизни и искусстве, декларацию своих творческих принципов. Художник может быть представлен в разных обличьях, в разных одеждах, его изображение может быть включено в жанровую сцену или групповой портрет.

АР НУВО

(франц. art nouveau-новое искусство) - распространенное в некоторых европейских странах название стиля модерн, возникшее благодаря одноименной выставке, проводимой в Цюрихе в 1952 г. и посвященной этому стилю.

Ахроматические тона

Так называемые бесцветные, серые тона, различающиеся по светлоте и близости к белому или черному.

Барбизонская школа

Объединение французских живописцев, положивших начало реалистическому пейзажу. Своим названием она обязана небольшой французской деревушке Барбизон, расположенной близ леса Фонтенбло, где в 1830-1860-е rr. любили работать художники этой группы. Излюбленными мотивами их творчества были обыденные, повседневные пейзажи, в которых они стремились передать разнообразные состояния природы, вибрацию света и воздуха. Работая с натуры, барбизонцы обращали особое внимание на фиксацию непосредственного впечатления, разрабатывали методику тональной живописи, богатой световыми и цветовыми нюансами и валёрами. Своим творчеством они доказывали эстетическую ценность национального ландшафта.

К барбизонцам принадлежали Ж.Дюпре, Т.Руссо, Н.Диаз де ла Пенья, полотна которого наиболее точно соответствовали героико-романтической линии пейзажной живописи XIX в., а также Ш.Добиньи, занимавшийся детальной разработкой проблемы передачи световоздушной среды, и К.Труайон, включавший в пейзаж анималистический и жанровый стаффаж.

К барбизонцам были близки Э.Делакруа, Т.Жерико, К.Коро, Ж.Ф.Милле. Традиции Барбизонской школы оказали огромное влияние на дальнейшее развитие французского реалистического пейзажа, а также на развитие пейзажной живописи в европейских странах (Я.Б.Ионкинд в Нидерландах, М.Мункачи в Венгрии и др.) и России (А.П.Боголюбов, Ф.А.Васильев, А.К.Саврасов и др.). Искусство мастеров этого направления сыграло огромную роль в становлении и развитии импрессионизма во Франции.

Блик

(нем. Blick) - отблеск света. По шкале градаций светотени, используемой в живописи и графике, блик - это самое яркое световое пятно, лежащее на выступающих участках предмета, обращенных в сторону непосредственного источника света.

Характер блика в живописи зависит от нескольких основных факторов: в первую очередь от силы света, а также от формы и фактуры изображаемого предмета, так как разные материалы и поверхности по-разному отражают или поглощают световые лучи.

"Бубновый валет"

Объединение московских живописцев, в состав которого входили В.Д. И Д.Д.Бурлюки, Н.С.Гончарова, П.П.Кончаловский, А.В.Куприн, Н.И.Кульбин, М.Ф.Ларионов, А.В.Лентулов, К.С.Малевич, И.И.Машков, В.В.Рождественский, Р.Р.Фальк и др. Свое название, содержащее протест против претенциозных изысков, оно получило после одноименной выставки, организованной в 1910 г. его членами (старинное французское толкование игральной карты "бубновый валет", что означает "плут, мошенник").

Искусство художников, входивших в группy, представляло собой своеобразную реакцию на импрессионизм и развивалось в значительной степени как его эстетическая антитеза. Но именно открытия импрессионистов послужили основой их понимания художественной формы, в частности самоценности цвета. Стоящие перед ними задачи художники решали, в основном используя приемы постимпрессионизма (русский сезаннизм), фовизма, кубизма, а также русского народного искусства (изразцы, росписи, лубок и т. д.). Их излюбленными жанрами были пейзаж, портрет и натюрморт. Основные проблемы были связаны с передачей объема на плоскости и построением формы с помощью цвета, что способствовало выявлению материальной сущности изображаемой натуры.

Члены общества занимались организацией выставок, где представляли не только свои работы, но и картины В.В.Кандинского, А.Г.Явлинского, живших в Мюнхене, французских художников Ф.Валлоттона, Ж.Брака, К.Ван Донгена, А.Глеза, Р.Делоне, А.Дерена, А.Марке, А.Матисса, П.Пикассо, А.Руссо, П.Синьяка и др.

В 1917 г. объединение распалось, после того как из него вышли сначала В.Д. и Д.Д.Бурлюки, Н.С.Гончарова, М.Ф.Ларионов, К.С.Малевич (1911), склонные к примитивизму, кубофутуризму и абстракционизму и организовавшие свою выставку под названием "Ослиный хвост", а затем П.П.Кончаловский, А.В.Куприн, А.В.Лентулов, И.И.Машков, В.В.Рождественский, Р.Р.Фальк, тяготевшие к традиционным приемам станковой живописи (1916-1917).

Бытовой жанр

(франц. genre, нем. Sittenbild), жанровое искусство - один из жанров изобразительного искусства, основными темами которого являются сцены из повседневной, частной и общественной жизни человека, из крестьянского и городского быта. Истоки жанра уходят в глубокое прошлое (наскальные писаницы, росписи и рельефы Древнего Востока, античная вазопись, средневековая житийная икона и миниатюра, декор буддийских храмов и росписи храмов Древней Америки).

Его основные черты сложились в XIV, XV вв., а начиная с XVI в. он стал самостоятельным видом искусства благодаря творческой деятельности многих европейских художников (П.Брейгеля в Нидерландах, Микеланджело да Караваджо в Италии). Прекрасные образцы этого жанра в XVII в. продемонстрировали фламандцы П.Рубенс, Я.Иорданс, А.Брауэр, Д.Тернис, малые голландцы братья А.и И.Остаде, Г.Терборх, Я.Стеен, Я.Вермеер Делфтский, француз Л.Ленен. Дальнейшее развитие жанра было связано с изысканными и слегка ироничными галантными сценами и картинами домашней жизни, представленными французскими живописцами XVIII в. А.Ватто, Ф.Буше, Ж.Б.Шарденом, О.Фрагонаром, с уютными интерьерами на полотнах представителей немецкого, австрийского, русского бидермайера и романтизма XIX в.

В середине XIX в. в бытовом искусстве прочно утвердились демократические идеалы и социально-критическая направленность в изображении общественных отношений и бытовых ситуаций, связанные с именами О.Домье, Г.Курбе, Ж.Ф.Милле во Франции, А. Менцеля в Германии, А.Г.Венецианова, П.А.Федотова, В.Г.Перова, И.Е.Репина и художников-передвижников в России.

На рубеже XIX-ХХ вв. бытовой жанр приобретает новые черты: острая характерность и повышенный интерес к передаче оттенков ситуации и психологического состояния (Э.Мане, Э.Дега, О.Ренуар во Франции), стремление проникнуть в вечные тайны бытия (П.Гоген во Франции, В.Э.Борисов-Мусатов, К.С.Петров-Водкин в России).

Валер

(от франц. valeur - цена, ценность) - термин в живописи и графике, обозначающий оттенок тона и определяющий соотношение света и тени при взаимодействии оттенков друг с другом. Разработана система валёров, которая представляет собой градацию света и тени какого-либо одного цвета в определенной последовательности. Подобная система помогает художнику более детально представить предмет в световоздушной среде, показать тонкость цветовых переходов и глубину колорита.

Умением использовать валёры отмечены полотна таких величайших колористов, как Д.Веласкес, Я.Вермеер, Ж.Б.Шарден, К.Коро, В.И.Суриков, среди импрессионистов системой валёров широко пользовались Дж. де Ниттис и Ф.Зандоменеги.

Веризм

(итал. verismo, от vero - правдивый, истинный) - реалистическое направление в итальянской живописи конца XIX в., характерной чертой которого был интерес к жизни рабочих и крестьян, острая социально-критическая направленность и вместе с тем пессимистическое, порой пассивно-натуралистическое восприятие действительности. Крупнейшими представителями веризма были Ф.П.Микетти, Дж.Пеллицца да Вольпедо.

Воздушная перспектива

Основанная на зрительном восприятии система передачи удаленных предметов, включающая в себя смягчение очертаний, ослабленное изображение деталей, уменьшение яркости цвета и другие приемы. Попытки передать воздушную перспективу наблюдаются уже в средневековых китайских пейзажах, но свое теоретическое обоснование метод получил в XVI в. в работах Л. да Винчи. Широко использовался этот прием в голландском пейзаже XVII в. и особенно в XIX в. в работах импрессионистов.

Время

(англ. time, франц. temps, нем. Zeit) - наряду с пространством основная форма существования материи, связанная с чередованием различных этапов в жизни природы и человека.

Объективное восприятие времени всегда обусловлено причинно-следственными связями, взаимовлиянием прошлого, настоящего и будущего, субъективным переживанием времени и его интерпретацией в различных типах сознания.

С момента своего зарождения пластические искусства, являющиеся по своей сути пространственными и создающими неизменяемые во времени произведения, тем не менее включают в свой образный строй какую-либо концепцию времени, которая выражается в передаче движения, в развитии и последовательности событий.

Первобытное искусство трактовало время как мгновение, выхваченное из быстрого движения (сцены охоты), как неограниченный по продолжительности процесс (эпические рассказы в петроглифах и писаницах неолита и бронзового века) и как неизменную вечную данность.

Античное искусство воспевало гармонию и совершенство слитых в едином порыве равномерных движений ("Дискобол" Мирона, середина V в. до н. э.). Средние века характеризовались сочетанием незыблемости вечного идеала с неторопливым обстоятельным рассказом (фресковые циклы, житийные иконы).

Начиная с Возрождения в искусстве царит движение: ренессансный героический жест или готовность к поступку ("Давид", Микеланджело, 1501-1504), барочный переход одного состояния в другое ("Аполлон и Дафна" Л.Бернини, 1622 - 1625), чудесное мгновение ожидания и едва уловимый оттенок чувства в искусстве рококо ("Паломничество на Киферу" А.Ватто, 1717).

XIX в. привносит новые аспекты в восприятие времени: эмоциональный в творчестве романтиков ("Битва при Пуатье" Э.Делакруа, 1830), исторический ("Явление Христа народу" А.А.Иванова, 1837-1857).

Импрессионизм приносит свое обостренное восприятие времени.

Вырванное из стремительного потока мгновение городской жизни или жизни природы заставляет подругому взглянуть на мир, изменить систему оценок окружающего мира и прожитого времени ("После обеда" О.Ренуара, 1879).

На полотнах постимпрессионистов и символистов время, наоборот, замирает и напоминает о непреходящей значимости бытия (Автопортрет с "Желтым Христом" П.Гогена, 1889, Бывшее собрание Мориса Дени).

В ХХ в. усиливается противоречие между стремлением успеть за лихорадочным темпом жизни и желанием сохранить незыблемыми устои духовной жизни. Невозможность разрешить его приводит к кризису потрясенного сознания ("Три музыканта" П.Пикассо, 1921).

Выразительность

Термин, относящийся непосредственно как к художественному произведению, так и к самой натуре.

Термин обозначает силу воздействия, впечатления, высокую содержательность смысла.

Гамма

(греч. gamma) цветовая - гармоничное сочетание взаимосвязанных цветовых тонов и оттенков, в основе которого лежит один доминирующий цвет. Бывает темная и светлая, теплая и холодная, яркая и приглушенная и т. д.

"Голубая роза"

Объединение художников-символистов. Оно было образовано в Москве в 1907 г. живописцами и графиками Н.П.Крымовым, П.В.Кузнецовым, братьями В.Д. и Н.Д.Милиоти, Н.Н.Сапуновым, М.С.Сарьяном, С.Ю.Судейкиным, П.С.Уткиным, Н.П.Феофилактовым, А.В.Фонвизиным и др. Своим названием объединение обязано одноименной выставке, opraнизованной в Москве в 1907 г. журналом "Золотое руно". Творчество членов данного объединения характеризуется мистико-иносказательной тематикой и тяготением к ориенталистским мотивам. Их работы отличаются изысканной причудливостью линейных ритмов, плоскостным приемом изображения, повышенной декоративностью стилизованных форм, приглушенным сочетанием цветов.

В живописной манере большинтва представителей "Голубой розы" своеобразно претворились приемы, заимствованные у импрессионистов и получившие у них иное смысловое значение. Так, раздельные мазки импрессионистов у голуборозовцев уплотнились и удлинились, стали текучими и изгибающимися, похожими на водяные струи (Кузнецов) или языки пламени (Милиоти), приобрели декоративную выразительность, приняв на себя повышенную эмоциональную нагрузку. Общество "Голубая роза" распалось в 1910 г.

Градация

(лат. gradatio - постепенное повышение, от gradus-ступень) - постепенное изменение цвета, светотени, следование оттенков в рамках одного произведения.

Групповой портрет

Портрет, на котором изображено не менее трех персонажей, находящихся в одной обстановке, связанных единым действием или сценой.

Дадаизм

(от франц. dada-конек, детская деревянная лошадка) - литературно-художественное движение, возникшее во время первой мировой войны в Цюрихе (1916) среди эмигрантов различных национальностей. Порожденное ужасом перед кошмарной кровавой бойней, оно с самого начала несло на себе отпечаток нигилизма. Дадаисты, группировки которых находились также в Берлине, Кёльне, Ганновере, Нью-Йорке и Париже, отвергали планомерное построение произведений, ставили во главу угла случайность, прибегали к пародии на творчество и разрушению художественной формы. Крупнейшими представителями дадаизма были М. Дюшан, Ф. Пикабиа, Х. Арп, М. Эрнст, К. Швиттерс.

Движение

(англ. movement, motion, франц. mouvement, нем. Bewegung) - перемещение в пространстве, изменение. В искусстве это одна из форм, выражающих концепцию времени.

Для передачи движения в произведениях изобразительного искусства, которые не изменяются во времени, существуют свои особые приемы, известные с глубокой древности. Так, например, с их помощью неизвестный мастер сумел запечатлеть бег лошади в пещере Ляско. В конце XIX-начале ХХ в. на живописных полотнах В.Ван Гога, экспрессионистов и футуристов воспроизводится двигательная энергия их авторов в момент творчества.

ХХ в. отмечен непосредственным введением реального движения и временного развития в изобразительное искусство (кинетическое искусство, мультипликационное кино).

Декоративность

(от лат. decoro - украшаю) - один из способов выражения красоты в художественном произведении, определяемый его композиционно-пластическим и колористическим строем. Изначальное значение декоративности проявляется в орнаменте, в основе которого лежит предметная форма, переходящая сначала в символ, а затем в декоративный мотив (солнечный круг, изгиб волны и т. д.).

Свой вторичный смысл декоративность приобретает в процессе синтеза искусств, когда взаимодействие предметов осуществляется через отношения частей и целого.

Дивизионизм

(от франц. divison - разделение), другое его название пуантилизм (от франц. pointiller - писать точками) - система в живописи, основа которой - методическое разложение сложного цветового тона на чистые цвета.

Разделение на полотне выражается четко различимыми мазками в виде точек и, небольших прямоугольных линий.

При зрительном восприятии картины с определенного расстояния происходит оптическое смешение мазков. Дивизионизм составлял основу художественного метода неоимпрессионистов.

Впервые теоретическую разработку и практическое применение дивизионизм получил в творчестве французских живописцев Ж.Сёра и П.Синьяка в 1880-1890-х гг. В дальнейшем он широко применялся в работах французских (А.-Э.Кросс), бельгийских (Т. ван Рейселберге), итальянских (Дж.Сегантини) и русских (Н.В.Мещеряков) художников.

Динамика

(от греч. dynamis-сила) - выражение в произведении искусства движения, временных изменений, внутренней энергии при помощи особых приемов (характер мазка в живописи), создающих определенный ритм, воспринимаемый во времени.

Дополнительные цвета

Два цвета - красный и голубовато-зеленый, оранжевый и голубой, желтый и синий, зеленовато-желтый и фиолетовый или зеленый и пурпурный, - звучание которых при сопоставлении усиливается, а их смешение воспринимается как белый цвет.

Эта особенность дополнительных цветов широко использовалась импрессионистами для создания особого мерцающего эффекта.

Жанр

(франц. genre - род, вид) - совокупность произведений искусства, объединенных общими темами или изображаемыми предметами (исторический жанр, бытовой жанр, батальный жанр, портрет, пейзаж, натюрморт, анималистический жанр), авторским отношением (карикатура, шарж) и способом их истолкования (аллегория, фантастика).

Зачатки жанрового деления наблюдаются с момента возникновения первых произведений изобразительного искусства (анималистические образы наскальных изображений, пейзажи и натюрморты в эллинистических и римских мозаиках и фресках и т. д.), но само формирование жанровой системы относится к XV - XVII вв. и связано оно с высоким уровнем европейского искусства этого периода. Поскольку жанр - категория историческая, соотношение жанров в различные эпохи меняется, некоторые из них отмирают, другие приобретают новый смысл (мифологический), появляются новые жанры в результате выделения разновидностей в самостоятельные виды (архитектурный пейзаж, марина) или слияния нескольких жанров в единое целое (сочетание бытового жанра с пейзажем или группового портрета с историческим жанром).

"Золотое сечение"

Объединение кубистов, возникшее в 1911 г., в состав которого входили Х.Грис, Л.Маркуси, Ф.Леже, А.Глез, Ж.Метценже, А.Лот, Р. де Ла Френе, А.Ле Фоконье.

Импрессионизм

(франц. impressionnisme, от франц. impression - впечатление) - направление в искусстве последней трети XIX-начале ХХ в. Мастера этого направления пытались непредвзято и как можно более естественно и свежо запечатлеть мимолетное впечатление от быстро текущей, постоянно меняющейся жизни.

В 1648 г. в Париже была основана Королевская академия живописи и скульптуры, долгие годы следившая за тем, чтобы творческая деятельность страны проходила в рамках классического искусства. Ежегодно под эгидой Академии проводились выставки - Салоны, участие в которых было престижным и почетным. Решающее слово при отборе картин для выставки принадлежало строгому жюри, состоявшему из преподавателей Академии и следившему за тем, чтобы сюжеты представленных полотен содержали героическую или историческую тематику, а сами бы они были выполнены в определенной цветовой гамме с соблюдением непреложных законов классической композиции.

Но 15 апреля 1874 г. в Париже на бульваре Капуцинов состоялась выставка 30 молодых художников, картины которых были отвергнуты официальным жюри Салона. Центральным произведением этой выставки явилась картина Клода Моне "Впечатление. Восход солнца" (Музей Мармоттан, Париж).

На полотне, написанном художником в 1872 г. в его родном городе Гавре, изображена почти нереальная картина восхода солнца над водной гладью гавани. Цвета только слегка обозначены, все подернуто легкой сероватой дымкой, сквозь которую виднеются расплывчатые силуэты судов и кранов. И только красный шар солнца пробивается сквозь утренний туман, создавая в центре картины яркое цветовое пятно. Если отойти от картины на некоторое расстояние, то резкие мазки кисти превращаются в легкую рябь на воде, придавая всей картине удивительную реальность и осязаемость. Впервые в истории живописи художник попытался запечатлеть не реальный объект, а свое впечатление от него. Один из досужих репортеровкоторых было великое множество на этой скандальной выставке, Луи Леруа, сотрудник "Шаривари", презрительно назвал Моне и его товарищей "импрессионистами". Впоследствии это ироничное имя закрепилось за художниками и очень быстро потеряло свой первоначальный отрицательный смысл. Несмотря на то, что выставка молодых художников вызвала бурную общественную реакцию, нельзя считать, что именно 1874 г. является годом рождения данного направления в живописи. Сложилось и оформилось оно раньше - примерно за 6-7 лет до указанных событий, поэтому крещение можно считать несколько запоздавшим. Кроме того, импрессионизм имел своих предшественников, опыт которых и стал его теоретическим обоснованием.

Причины, которые заставили художников объединиться и выставить свои картины вопреки официальному мнению жюри, были просты.

С одной стороны, выставка явилась своеобразным манифестом, провозглашающим существование нового молодого направления, которое заявило о себе в полный голос. С другой стороны, она привлекала знатоков и ценителей, которые могли стать потенциальными покупателями. Ведь до этого гарантией значимости картины было участие ее автора в официальном Салоне.

Зима, предшествующая выставке, для многих ее участников была очень суровой: многие из них в буквальном смысле слова умирали с голода. Поэтому К. Моне взял на себя труд по организации коллективной выставки в надежде, что отвергнутые по одиночке, собравшись вместе, художники смогут привлечь внимание к своему творчеству и своим проблемам.

Большинство с энтузиазмом и с полным пониманием значения происходящего откликнулось на призыв Моне: О.Ренуар, А.Сислей, К.Писсарро, П.Сезанн, Э.Дега, Б.Моризо, А.Гийомен. Художники старшего поколения - Э.Буден, Ш.Добиньи, И.Ионкинд - решили поддержать молодежь. И только Э.Мане, признанный всеми мэтр, отказался принять участие в выставке: он признавал только мнение официального жюри Салона и боялся навлечь на себя его гнев.

Импрессионисты пытались запечатлеть на полотнах короткие мгновения бытия точно так же, как это делают фотографы в своих работах. Сюжеты картин для художников были второстепенны, они их брали из повседневной жизни, которую хорошо знали: городские улочки, ремесленники за работой, сельские пейзажи, привычные и всем знакомые здания и т. д. Главное для них было чередование света и тени, причудливая игра солнечных "зайчиков" на самых обычных предметах. Нельзя сказать, что молодые художники полностью отрицали опыт своих предшественников. Большое влияние на них оказало творчество Э.Делакруа, в частности, его нетрадиционный способ использования красок, а также реализм Г.Курбе и пейзажи Дж.Констебла. Но самое большое впечатление на импрессионистов произвели работы Э.Мане, с которым они часто встречались в кафе и беседовали о новых формах живописи, о возможностях, которые открывало перед художниками рождение фотографии, и особенностях восприятия человеческого глаза.

Новое поколение художников хотело перенести на свои полотна природу в ее истинном проявлении, поэтому они вышли из студий на открытый воздух (пленэр), чтобы наблюдать изображаемые объекты в их привычной среде при естественном освещении. Они прекрасно понимали, что снег не просто белый, трава зеленая, тени черные, а все это состоит из множества цветных точек, и только человеческий глаз, сливая их воедино, создает целостное цветовое полотно.

Художники стали использовать принципиально новую технику письма, при которой краски на мольберте не смешивались, а накладывались на полотно кистью в виде отдельных мазков. Поэтому, чтобы составить себе целостное представление о картине, работы импрессионистов следует смотреть с небольшого расстояния, а не вблизи. При таком восприятии четкие раздельные мазки плавно переходят друг в друга, и создается ощущение динамики. Получается, что объемные формы постепенно растворяются в окутывающей их световоздушной оболочке. Очертания становятся зыбкими, и возникают постоянно рождающиеся и вечно длящиеся движения. Подобные картины не имеют четкой композиции, каждая из них является отдельной частью, кадром целого изменчивого мира.

Основными структурными элементами становятся фрагментарность, рискованный ракурс, срезанные, как бы случайно попавшие в кадр фигуры. Все части картины возникают в одно время, поэтому они равнозначны. Асимметрия, случайность или неуравновешенность таковой только кажется. В жанровом отношении у импрессионистов нет четких границ: быт перемешан с портретом. Изучение принципов и приемов импрессионизма оказало огромное влияние на развитие национальных европейских художественных школ.

В результате полемик и взаимодействия с импрессионизмом появились новые течения, такие как неоимпрессионизм и постимпрессионизм.

Интерьер

(франц. interieur) - жанр изобразительного искусства, представляющий внутреннее пространство общественного, жилого, промышленного помещения. Развитие получил в конце XVI - XVII вв. в Голландии и Фландрии в творчестве П.Санредама, Э.де Витте (церковные интерьеры), П.де Хооха, Я.Вермеера, а также в первой половине XIX в. в Германии в живописи бидермайера (Г.Ф.Керстинг) и в России в школе А.Г.Венецианова.

XIX-ХХ вв. отмечены появлением многочисленных работ, характерной чертой которых является разнообразный, часто диаметрально противоположный подход к изображению интерьера: от уютных, наполненных светом полотен А.Менцеля, В.А.Серова и А.Матисса до отмеченных драматизмом переживаний картин В.Ван Гога и экспрессионистов.

Клуазонизм

(от франц. cloison - перегородка) - термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Обозначает особую манеру письма, разработанную Э.Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г., воспринятую П.Гогеном и ставшую основой живописного "синтетического" символизма. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в эмалях пластинками или в витражах - свинцовыми красками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени (П.Гоген "Видение после проповеди", 1888). Очень близок клуазонизм синтетизму, воспроизводящему тот или иной мотив по памяти или из глубин воображения, а потому не требующему детальной его прорисовки.

Колорит

(от лат. color - цвет, краска) - одно из самых важных средств эмоциональной выразительности, представляющее собой единую систему цветовых тонов данного художественного произведения, воспроизводящую цветовое богатство окружающей природы.

Его характер определяется эпохой, стилем, живописной манерой художника, своеобразием его восприятия мира и общим замыслом произведения. В зависимости от преобладания тех или иных красок колорит может быть теплым (красные, желтые, оранжевые тона) и холодным (зеленые, синие, фиолетовые тона), спокойным (созвучное сочетание тонов) и напряженным (использование контрастов), ярким (интенсивные, насыщенные тона) и блеклым (выбеленные тона). Колористическая система может быть основана на локальных тонах, имеющих символическое значение, и тонах, отражающих реальную цветовую картину мира-пространство, свет, тени, материальную сущность предмета во всех его взаимоотношениях со средой.

Композиция

(от лат. compositio - составление) - структура художественного произведения, определяющая взаиморасположение его частей, их подчинение друг другу и единому целому. Особенности композиции определяются спецификой жанра, стиля, содержанием произведения и индивидуальными особенностями автора.

Композиция включает в себя целую систему элементов. В живописи, например, это сюжет, способ передачи пространственных и временных отношений, точка зрения и т.д.

Композиция играет большую роль в восприятии произведения. Так, фрагментарность, неожиданный ракурс, нарочитая композиционная небрежность на полотнах импрессионистов создают иллюзию случайно подсмотренной сценки и подчеркивают непосредственность сиюминутного впечатления.

Контраст

(франц. contraste - резкое различие, противоположность) - один из художественных приемов, в основе которого лежит противопоставление двух соотносящихся качеств с целью их усиления. Цветовые и светотеневые контрасты служат для моделировки объема или выражения пространственных отношений.

Контур

(франц. contour, итал. contorno) - линия, очерчивающая силуэт предмета или отдельной его детали. Контур обладает большой художественной выразительностью, придавая произведению большую экспрессию и динамизм. В клуазонизме, например, он выступает в качестве одного из основных композиционных элементов.

Кубизм

(франц. cubisme, от cube - куб) - одно из постимпрессионистических направлений во французском искусстве 1900-1910-х гг., основателями и виднейшими представителями которого были П.Пикассо и Ж.Брак. Своим названием кубизм обязан обилию прямых линий, граней и кубоподобных форм в живописных композициях. Различают три периода в развитии кубизма: сезанновский (1907-1909), аналитический (1909-1912) и синтетический (1913-1914). Работы, относящиеся к сезанновскому периоду, массивными объемами, высеченными прямыми и резкими изломами напоминают пластику негритянского искусства. Авторы аналитических полотен дробили форму на мелкие грани и на сходящиеся под разными углами плоскости. При этом возникали удивительные стереометрические эффекты: едва наметившийся объем неожиданно превращался в плоскость, передняя грань - в боковую, линии, не успев начаться, вдруг обрывались, все формы смешивались и образовывали не поддающийся зрительному восприятию калейдоскоп. Основным приемом синтетического периода становится коллаж. Живописный текст как бы собирается из отдельных знаков разных языков (живописи, графического слова, нотных знаков и т. д.), образуя незамысловатый сюжет (как правило, натюрморт), который затем прочитывается зрителем. В качестве материала для картины выступают одиночные красочные мазки, обрывки газет, цветной бумаги, узорчатых обоев, рисунков с каким-либо изображением или имитацией фактуры.

Ландшафт

(нем. Landschaft) - то же, что пейзаж.

Локальный цвет

(от франц. local - местный) - термин в живописи, определяющий основной и неизменный цвет, характеризующий окраску предмета. Окраску предмета можно передать однородными цветовыми пятнами различной светосилы или сочетанием важнейших цветовых оттенков, возникающих под воздействием освещения, воздушной среды, а также рефлексов от окружающих предметов. Неизменяемый локальный цвет лежал в основе живописи на ранних этапах древневосточного и античного искусства. Гармоничные сочетания пятен локального цвета особенно широко использовались в средневековых росписях, витражах, миниатюрах.

Начиная с эпохи Возрождения одни живописцы стараются использовать традиционные цвета, наделяя их зачастую символическим значением, а другие стремятся передать изменчивость и сложность цвета в рамках его взаимоотношений со светотенью и средой.

В последнее столетие интерес к проблеме локального цвета не утихает. Художники различных направлений либо возрождают его символическое значение (синтетизм), либо используют его в качестве материала для строгих и звучных колористических построений (А. Матисс, Ф.Леже), либо видят в нем то общее, что сближает живопись с яркой окраской современных машин (C.Дейвис, Ч.Шилер).

Мазок

(англ. stroke, touch, франц. touche, нем. Pinselstrich) - термин в живописи, означающий след кисти на поверхности красочного слоя. Характер мазка зависит от изображаемой натуры, от намерений художника и от используемых им технических приемов. Мазок может быть скрытым (при гладком письме) или четко выраженным, пастозным в зависимости от темперамента живописца.

Маккьяйоли

(итал. macchiaioli, macchia - пятно) - течение итальянской живописи 1860-1880-х гг., затронувшее в основном Флоренцию. Художественная манера представителей этого направления - Т.Синьорини, Дж.Фаттори, С.Лега - заключалась в свободном использовании красочных пятен.

Манера

(итал. maniera, франц. maniere, нем. Manier, Art und Weise) - совокупность приемов, характеризующих стилистические и технические особенности целого направления или творчества одного живописца.

Масляная живопись

(англ. oil-painting, франц. peinture, нем. Olmalerei) - одна из разновидностей живописной техники, отличительными чертами которой являются применение растительного масла (отбеленного льняного, орехового, подсолнечного) как основного связующего вещества и определенные приемы работы с красками. В качестве основы для масляной живописи используются холст, картон, дерево, металл, требующие дополнительной предварительной грунтовки. Красочный слой может быть тонким и густым, пастозным, прозрачным и плотным, блестящим и матовым, светлым и темным. Масляная живопись может быть многослойной (с обязательным перерывом для высыхания каждого слоя) или по сырому, требующая окончания работы до подсыхания красок. Особенностью масляных красок является то, что после высыхания они долго сохраняют свой цвет. Масляная живопись обладает большими возможностями для передачи авторского замысла, создания богатых цветовых сочетаний, воспроизведения пространственных отношений и объемных форм.

Образцы масляной живописи встречаются в античном и средневековом искусстве; но широкое распространение она получила в конце XIV - начале XV в., особенно в связи с творчеством Я. ван Эйка.

Начиная с XVI в. большинство европейских художников работает в технике масляной живописи. До XIX в. было принято многослойное письмо с обязательным использованием разжижающих краску лаков и заключительной лакировкой картин.

В дальнейшем предпочтение отдавалось живописи алла прима (по сырому) по грунту или по легкому подмалёвку.

Метод художественный

(от греч. methodos - путь исследования, способ изложения) - система исторически сложившихся принципов художественно-образного мышления в искусстве, зависящая от уровня и характера развития общества, его философских, социальных, научных, религиозных, этических и эстетических идеалов.

Она включает в себя:
а) принципы художественного отбора;
б) способы художественного обобщения;
в) критерии эстетической оценки мира с позиций характерного для данной эпохи представления о прекрасном;
г) приемы воплощения окружающего мира в художественные образы.

Моделировка

(от итал. modellare - лепить), моделирование-воспроизведение объемно-пластических и пространственных свойств предметов в произведении искусства при помощи светотеневых и цветовых градаций, контрастов, оптических свойств теплых и холодных тонов, лепки мазками.

Модель

(франц. modele, итал. modello, от лат. modulus - мера) - человек (профессиональный натурщик или портретируемый), позирующий художнику при работе над художественным произведением, а также существа и предметы, служащие ему в качестве натуры.

Модерн

(франц. moderne - новейший, современный) - стиль в европейском и американском искусстве второй половины XIX - начала ХХ в. Во Франции назывался "ар нуво", в Германии - "югендстиль", в Австрии - "сецессион", в Италии - "либерти", в Испании - "модернисмо".

Основой модернизма был неоромантизм, возродивший романтические идеи противостояния общества и отдельного индивида, особой миссии художника и ведущей роли прозрения в создании произведения искусства.

Выдвигая идею преобразования мира посредством красоты и гармонии, теоретики модерна призывали к синтезу искусств как к единственному средству, способному решить данную задачу.

Живопись модерна отличается плоскостностью, орнаментальностью, возникающей из гармонии целого и натуралистических или иллюзионистических деталей.

Особый декоративный эффект придает этой живописи сочетание цветовых, подчас почти монохромных плоскостей и опутывающих их мощных контурных линий, образующих затейливое переплетение, весьма напоминающее прихотливую ткань тонкого кружева.

Чрезвычайно яркий, образный, живописный язык модерна как никакой другой подходил для художественного воплощения образов и идеалов символизма.

С живописью модерна связаны имена таких художников, как П.Гоген и участники группы "Наби" (М.Дени, П.Боннар, Э.Вюйар, П.Серюзье и др.) во Франции, Г.Климт в Австрии, Э.Мунк в Норвегии, Ф.Ходлер в Швейцарии, М.А.Врубель, В.М.Васнецов, К.А.Коровин, отчасти В.А.Серов и члены группы "Мир искусства" (Л.С.Бакст, А.К.Бенуа, К.А.Сомов) в России.

Монохромия

(от греч. monos-один и chroma - цвет) - одноцветность; монохромный. Исполненный оттенками одного цвета.

Мотив

(франц. motif, от лат. moveo - двигаю, привожу в движение) - устойчивая тема, проблема или идея в творчестве художника или целого направления в искусстве. Мотив может относиться как к натуре, так и к ее изображению.

"НАБИ","Набиты"

(франц. nabis - пророки от др.-евр. наби - пророк) - группа художников, существовавшая в конце 1880-х - начале 1900-х гг. в Париже. В нее входили такие известные живописцы, как П.Боннар, Э.Вюйар, М.Дени, П.Серюзье, П.Рансон, К.Руссель и др., а также график Ф.Валлоттон и скульптор А. Майоль.

Под влиянием достижений постимпрессионизма особенно творчества П.Гогена они разработали вариант стиля модерн, близкий к символизму. Главным средством выражения набидов был цвет.

Их работы отличались декоративной обобщенностью форм, причудливые ритмы которых напоминали звучание музыкальных инструментов.

В композиции использовали характерное для постимпрессионизма плоскостное изображение натуры и четкий широкий контур.

Назарейцы

(от нем. Nazarener - название прически с длинными волосами) - группа немецких и австрийских художников-романтиков, которая в 1809 г. образовала "Союз св. Луки".

Полуироническое название объединения появилось от традиционного наименования прически с длинными волосами "алла назарена", известной по автопортретам А.Дюрера.

Одним из основателей братства назарейцев стал Ф.Овербек, который вновь ввел в моду прическу "алла назарена".

С 1810 г. назарейцы в составе П.Корнелиуса, Ф.Овербека, Ф.Пфорра, Ю.Кнорр фон Карольсфельда и др. обосновались в старом заброшенном монастыре Сан-Исидоро, где они жили на манер средневековых религиозных братств и художественных артелей.

Назарейцы поставили перед собой высокую цель возродить духовность в искусстве, которая, как они считали, не сохранилась в живописи Нового времени. Поэтому образцами для подражания они выбрали полотна А.Дюрера, Перуджино и ранние работы Рафаэля. Однако произведения назарейцев, как отдельные так и коллективные, например росписи в доме Бартольди в Риме 1816-17 гг. (ныне Национальная гaлерея Берлина), несут на себе оттенок холодной стилизации. В 1820-х гг. группа начала постепенно распадаться, и к концу 1830-х гг. почти все ее участники вернулись на родину.

Натура

(от лат. natura - природа) - предметы и явления окружающего мира, а также люди и живые существа, которые могут служить художнику в качестве модели.

Непосредственно и целиком с натуры выполняются наброски, зарисовки, этюды, полностью или частично с натуры пишутся портреты, пейзажи и натюрморты. Тщательное изучение натуры может происходить как в естественных условиях (пленэр), так и в условиях мастерской при работе с натурщиком.

Натюрморт

(франц. nature morte, англ. still life, нем. Stilleben) - жанр изобразительного искусства, воспроизводящий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и объединенные, созданным художником контекстом.

Изображение предметов может быть реальным или фантастическим, иллюзионистическим, наделенным особым символическим смыслом.

Еще античные и средневековые художники любили изображать предметы, но первым натюрмортом, отвечающим всем критериям жанра, считается картина венецианского мастера Якопо де Барбара (1504).

Расцвет жанра падает на ХVII в.: пышностью форм и богатством красок отличаются изображения даров природы на картинах фламандцев Ф.Снейдерса, Я.Фейта, простота и величие композиции выделяет работы испанских мастеров Ф.Сурбарана, Х.С.Котана, но особенно разнообразен и изыскан голландский натюрморт, окутанный атмосферой домашнего уюта (П.Клаас, В.Хеда, В.Калф, А.Бейерен). Мастером натюрморта во Франции в XVIII в. был Ж.Б.Шарден, лаконичные и простые по композиции работы которого утверждали красоту, гармонию и достоинство обыденной жизни.

Творчество художников XIX в. значительно расширяет привычные рамки жанра: О.Домье наделяет свои натюрморты острым социальным звучанием; прозрачность и воздушность полотен Э.Мане подчеркивают изменчивую красоту мира; конструктивный и синтетический художественный язык П.Сезанна, обладающий монументальностью и философским смыслом, использует цвет для создания почти скульптурной объемной формы; экспрессивный мазок и символика ярких цветовых пятен В.ван Гога заставляют заговорить самые обычные вещи. Натюрморт ХХ в. отмечен разнообразными художественными экспериментами, цель которых - выявление многоаспектности и геометрической структуры предметов материального мира (кубисты П.Пикассо и Ж.Брак во Франции, В.Е.Татлин, Л.С.Попова в России).

Многие художники через изображение предметов пытались выразить собственное понимание мира и собственной личности (участники объединения "Голубая роза" П.В.Кузнецов и М.С.Сарьян; члены группы "Бубновый валет" П.П.Кончаловский, И.И.Машков, А.В.Куприн и Р.Р.Фальк; А.Матисс во Франции, Дж.Моранди в Италии).

Неоимпрессионизм

(от франц. neo-impressionnisme) - течение в живописи, возникшее во Франции примерно в 1885 г. Крупнейшими представителями этого течения являются Ж.Сёра и П.Синьяк, которые создали художественную технику дивизионизма. Французские неоимпрессионисты и их последователи продолжали традиции позднегo импрессионизма. Используя прием разложения тонов на чистые цвета, они пытались в искусстве применить открытия, сделанные в области оптики. Вместе с тем они старались отойти от фрагментарности и случайности, характерной для импрессионистов, стремились к плоскостно-декоративному созданию пейзажей и многофигурных картин-панно.

Проводимое ими оптическое смешение чистых тонов спектра приводило, с одной стороны, к ощущению ослепительно белого света, а с другой стороны, к словно выцветшему белесому колориту.

Неоклассицизм

Неоклассицизм, неоклассика - термин, обозначающий различные направления в искусстве, возникшие после классицизма ХVII в., ориентирующиеся на классические образцы искусства Древней Греции, Древнего Рима и Возрождения и имевшие целью сделать их критерием современного искусства. Чаще всего термин "неоклассицизм" применяется для обозначения течения внутри стиля модерн, раннего функционализма и раннего авангардизма первой четверти ХХ в.

Нюанс

(франц. nuance) - то же, что оттенок.

Объем

(англ., франц. volume, нем. Umfang, Volumen) - в живописи иллюзорное наделение предметов и фигур качествами находящегося в пространстве физического тела при помощи моделировки, светотени, линии, пластической проработки форм и перспективы. Проблема передачи объема может решаться по-разному: от полного отказа от нее (плоскостное изображение постимпрессионистов) до почти реального его воспроизведения с использованием стереоскопических эффектов.

Основные цвета

Желтый, красный, синий цвета, которые нельзя получить из смешения других цветов, но их смешение друг с другом или с дополнительными цветами дает возможность воспроизвести естественные краски окружающего мира.

Оттенок

Нюанс (франц. nuance, англ. hue, нем. Schattierung) - небольшое различие одного цветового или светотеневого тона. Тщательно разработанная система оттенков способствует созданию богатого живописного колорита и тонкой проработке светотеневой моделировки.

Палитра

(франц. palette) - совокупность красок, которыми пользуется художник при создании живописного произведения.

Панно

(франц. panneau) - живописное произведение, служащее для украшения стены, потолка архитектурного сооружения, выполненное на холсте маслом или темперой вне предназначенного ему места.

Пастель

(франц. pastel, итал. pastello, от pasta - тесто) - цветные карандаши без оправы, сформованные из красочного порошка, а также живопись и рисование ими. Пишут пастелью по шероховатой поверхности бумаги, картона, по грунтованному холсту и т.д. Причем начинают жесткими карандашами, а заканчивают мягкими. Красочный порошок растушевывают пальцами или специальной растушкой.

Работы, выполненные пастелью, отличаются бархатистой матовой поверхностью красочного слоя, звучным и чистым цветом, мягкостью красок, долго сохраняющих первоначальную свежесть. Среди импрессионистов своим увлечением пастелью выделялся Э.Дега.

Пастозность

(от итал. pastoso - тестообразный) - художественный прием, выражающийся в утолщении красочного слоя в результате нанесения густых мазков непосредственно на грунт или на уже просохшие слои.

Пастозность проявляется в рельефности, неровности красочного слоя, в пластичном мазке и служит для подчеркивания материальной стороны предмета и придания динамизма композиции.

Пейзаж

(франц. paysage, англ. landscape, нем. Landschaft) - жанр изобразительного искусства или отдельные его произведения, показывающие природу и окружающую человека среду. В зависимости от того, на чем сосредоточено внимание художника, и характера изображения выделяют сельский, городской, архитектурный, индустриальный пейзаж, к особой разновидности пейзажа относятся изображения водной стихии - морской (марина) и речной пейзажи. Кроме того, пейзаж может быть историческим, показывающим облик Земли в прошлом или отражающим вечные законы развития природы, - и фантастическим, основанным на воображении художника.

Большое распространение получил космический, или астральный, пейзаж - реально увиденное с Земли или придуманное звездное пространство, а также изображения планет и других космических объектов.

Начиная с XVI в. пейзаж оформляется в самостоятельный жанр и появляются его основные разновидности: лирический, героический, документальный пейзаж. Это связано с творчеством таких художников, как П. Брейгель в Нидерландах, А.Альтдорфер в Германии, П.Рубенс во Фландрии, Я.ван Гойен, Рембрандт, Я.ван Рёйсдал в Голландии, Н.Пуссен, К.Уоррен во Франции, Ф.Гварди в Италии.

Основное завоевание XIX в. в области пейзажа - пленэр - привело к возникновению импрессионизма (французы Э.Мане, К.Моне, О.Ренуар), открывшего новые возможности в передаче пространства, изменений световоздушной среды, сложной цветовой гаммы. Ведущие пейзажисты конца XIX-начала ХХ в. (П.Сезанн, В.Ван Гог, А.Матисс во Франции, М.С.Сарьян в Армении, А.И.Куинджи, Н.К.Рерих в России) пытаются решить сложные философские проблемы, расширяют эмоциональные и ассоциативные качества пейзажной живописи.

Пленэр

(франц. plein air, букв. открытый воздух) - передача в живописи изменений, происходящих в природе в естественных условиях, под действием солнечного света, воздуха и атмосферных явлений.

Пленэрная живопись, в отличие от работы в мастерской, занимается изучением окружающей среды, рефлексов, цветовых изменений, переходов, нюансов, теней, наблюдаемых на открытом воздухе. Ее основные признаки - светлый колорит, чистый сияющий цвет, ощущение световоздушной среды и т.д.

Расцвет пленэрной живописи падает на XIX в. Особого успеха в пленэризме добились Дж.Констебл в Англии, К.Коро и художники-барбизонцы во Франции, С.Ф.Щедрин и А.А.Иванов в России. Однако самая последовательная и тщательная разработка проблем пленэра принадлежит импрессионистам, у которых свет и воздух приобретают важное самостоятельное значение.

Понт-Авенская группа

(франц. Pont-Aven, от pont - мост и Aven - название реки) - объединение французских постимпрессионистов. Понт-Авен - небольшая бретонская деревушка на севере Франции, известная своим тихим патриархальным укладом и живописными пейзажами. На протяжении многих лет она привлекала художников из разных стран Европы. В 1886 г. туда приехал П.Гоген, чтобы отдохнуть от шумной суеты Парижа. В 1888 г.за ним последовали Э.Бернар, Л.Анкетен, П.Серюзье и Я.Веркаде. Вместе со своим учителем художники очень много работали над созданием особого синтетического стиля, который позволил бы им отойти от слишком натурального, по их мнению, стиля импрессионистов.

Работы, написанные в это время, положили начало синтетическому "живописному символизму" П.Гогена и "клуазонистическому" стилю подражавшего ему Э.Бернара.

После отъезда П.Гогена на Таити в 1891 г. понт-авенская группа фактически распалась.

Портрет

(англ., франц. portrait, нем. Bildnis) - жанр изобразительного искусства, показывающий одного человека или группу людей. Основным условием всякого портрета является передача индивидуального сходства, как внешнего, так и внутреннего. Кроме того, изображая свою модель, художник наделяет ее типичными чертами, признаками эпохи и социальной среды.

По характеру изображения различают парадные (в полный рост) и камерные (поясные, погрудные, оплечные) портреты. Разновидностью камерного является интимный портрет, выражающий особенно доверительные отношения между художником и портретируемым лицом.

Фигура в парадном портрете изображается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном - на нейтральном.

Портрет, в котором модель представлена в образе литературного, театрального, аллегорического, мифологического или исторического персонажа, называется костюмированным. Он может быть аллегорическим, мифологическим, историческим.

По количеству портретируемых на одном холсте различают двойной и групповой портрет. Если же два лица изображены на разных холстах, но для полотен характерно единство композиции, формата и колорита, такие портреты называются парными.

Несколько портретов, изображающих умерших и здравствующих членов одного рода, образуют портретные галереи. По размеру портреты делятся на станковый "в натуру", малоформатный, миниатюрный и т. д.

Особую группу составляют автопортреты - изображение художником самого себя.

Жанр портрета - один из древнейших в истории живописи, так как в далеком прошлом он имел культовое значение и отождествлялся с душой умершего человека. В античном мире были созданы настоящие шедевры этого вида искусства, идеализированного в Древней Греции и проникающего в самую суть личности в Древнем Риме. В средние века изображение человека регламентировалось строгими канонами и традициями. В эпоху Возрождения происходит становление портретного жанра, характеризующегося гуманистической верой в человека и глубоким пониманием его духовной жизни (Я. ван Эйк в Нидерландах, Донателло, Л. да Винчи, Рафаэль, Тициан в Италии, А.Дюрер, Х.Хольбейн в Германии).

XVII-XVIII вв. отмечены интересом к психологии, внутреннему миру человека (Ф.Халс, Д.Веласкес, Ф.Гойя в Испании, М.К.Латур, А.Гудон во Франции, Т.Гейнсборо в Англии, Ф.С.Рокотов, Д.Г.Левицкий, Ф.И.Шубин в России). В XIX в. внимание художников привлекали люди, отличающиеся силой духа и живущие на пределе чувств и эмоций (Т.Жерико, Д.Энгр, Э.Мане, В.Ван Гог во Франции, О.А.Кипренский, И.Н.Крамской, И.Е.Репин в России).

В ХХ в. интерес к личности портретируемого сохраняется, однако отступает на второй план перед стремлением художника выразить свое понимание мира (П.Пикассо, А.Модильяни, А.Бурдель во Франции, В А.Серов, М.А.Врубель, М.В.Нестеров, П.Д.Корин, С.Д.Лебедев в России).

Постимпрессионизм

(франц. postimpressionisme) - термин, обозначающий основные направления французской живописи на рубеже XIX-ХХ вв., возникшие за импрессионизмом и провозгласившие неприятие его художественного метода. Отправной точкой в истории постимпрессионизма считается середина 1880-х гг. Именно в это время состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован "Манифест символизма" (1886) французского поэта Ж.Мореаса.

Многие из приверженцев постимпрессионизма в прошлом примыкали к импрессионизму, но постепенно они стали пытаться выразить новыми средствами не сиюминутное и преходящее в жизни, как это было у их предшественников, а длительное и наиболее существенное в материальном и духовном состоянии натуры.

Период постимпрессионизма характеризуется взаимодействием разнообразных творческих систем как отдельных художников, так и целых направлений. Так, П.Сезанн стремился отразить устойчивость и материальность окружающего мира. Голландский художник В.Ван Гог, выйдя на сверхчувственную выразительность формы и цвета, предвосхитил появление экспрессионизма.

П.Гоген в полотнах, посвященных быту и легендам Полинезии, пытался воплотить мечту о гармонии мира, о поэтическом единении человека и природы, проложив путь символизму и модерну. Его учениками и последователями стали художники образованной им Понт-Авенской школы и участники группы "Наби" (М.Дени, П.Серюзье, Э.Вюйар, П.Боннар и др). А.де Тулуз-Лотрека можно считать предшественником линейно-живописного строя и декоративной стихии стиля модерн. К постимпрессионизму относится и неоимпрессионизм с его опытами с цветом ( Ж.Сёра, П.Синьяк и др.).

Пуантилизм

(от франц. pointiller - писать точками) - письмо раздельными мазками в виде точек, мелких квадратов или прямоугольников. Нанесенные таким образом на холст чистые краски оптически смешиваются в глазах зрителя и образуют красочное живописное полотно. Примерами виртуозного использования пуантилистической техники могут служить интенсивные, контрастные по колориту пейзажи П.Синьяка и А.-Э.Кросса, тонко нюансированные и очень искусно построенные обобщенные картины Ж.Сёра, портреты и жанровые объемно-пространственные композиции Т. ван Рейселберге и Дж.Сегантини.

Пуризм

(от франц. pur - чистый, от лат. purus - чистый) - направление во французском изобразительном искусстве 1920-х гг.

Крупнейшие представители пуризма - А.Озанфан и Ш.Э.Жаннере (Ле Корбюзье) - в манифесте "После кубизма" (1918) заявили о необходимости создать новое декоративное искусство, отличительными чертами которого были бы предельно простая форма и минимальное присутствие деталей. Образцом для подражания они провозгласили машину, призывая художников отказаться от субъективного произвола в изображении действительности и в своем стремлении к пластическому совершенству.

Ракурс

(от франц. raccourci-сокращение, укорачивание) - сокращение размеров и формы изображенных предметов и фигур при их удалении от глаз по законам линейной перспективы. Как правило, ракурс применяется к тем объемам, которые в целом или по частям рассматриваются с неожиданных точек зрения или в необычных поворотах (снизу вверх, сверху вниз, при сильном приближении и т. д.). Смелыми и рискованными ракурсами любили пользоваться импрессионисты, разрушая традиционные правила композиции (Э.Дега, Г.Кайботт и др.).

Рама

(франц. cadre, англ. frame, нем. Rahmen) - чаще прямоугольное, реже овальное, круглое или многоугольное оформление картины по периметру. Основное назначение рамы - отделить изображение от окружения, придать работе композиционную завершенность и сосредоточить внимание зрителя на полотне. Рама возникла вместе с картиной в XIV в. и составляла с ней единое смысловое и декоративное целое, так как алтарная рама представляла собой подобие позолоченного готического храма. Затем отношение между рамой и картиной и сам внешний вид рамы претерпевали значительные изменения. Но рама продолжала сохранять свой золотой цвет иконного фона. Импрессионисты впервые стали окрашивать рамы в светлые тона (белый, желтый, розовый, фиолетовый).

Рефлекс

(от лат. reflexus-отраженный) - термин, обозначающий отсвет цвета и света на поверхности предмета, падающий от окружающих объектов, например неба или соседних предметов. Точная фиксация рефлекса помогает более полно передать объем, показать богатство цветов и оттенков изображаемой натуры, вызванное их сложной взаимосвязью. Проблема рефлекса решалась в живописи уже в творчестве Л. да Винчи, но все ее многообразие предстало перед живописцами в связи с задачами пленэра. Ее решение приобрело систематический характер у импрессионистов, особенно в пейзажах К.Моне.

Ритм

(греч. rhythmos, от rheos - поток) - повторение соизмеримых элементов в рамках одного произведения, мощное выразительное средство, отражающее в пространственных чередованиях присущие природе временные и пространственные закономерности, взаимосвязи, динамику движения. Ритм может быть монотонным, размеренным или нарушаться специальными акцентами или пропусками повторяющихся деталей. Ритмика художественного произведения может быть явной (в архитектуре) или скрытой и проявляться, например, в сложном и напряженном взаимодействии теплых и холодных тонов (П.Сезанн) или наделенных внутренней энергией мазков живописца (В. Ван Гог).

Салон

(франц. salon, итал. salone) - официальные выставки произведений живущих мастеров, проводимых в Париже с 1653 г. по инициативе Королевской академии живописи и скульптуры.

Сначала они проводились ежегодно и не имели своего постоянноro помещения, с 1673 г. устраивались под открытым небом во дворце Пале Руаяль, с 1699 - в Лувре (до 1736 г. в Большой галерее, в 1737 - 1848 гг. в так называемом Квадратном салоне, давшем им свое название). С 1746 г. Салоны стали проводиться раз в два года. До середины XIX в. они были самыми представительными официальными выставками во Франции, на которых в первую очередь представляли произведения членов академии ("назначенных").

Художники, не принадлежащие к официальной элите, могли показывать свои работы на площади Дофина (Салон молодых), в Салоне Академии св. Луки, в лавках на мосту Нотр-Дам и др. С XVIII в. организацией выставок занимался смотритель королевских строений, а размещение экспонатов было в ведении члена академии. Так, в 1761-1773 гг. это почетное поручение исполнял Ж.Б.Шарден. Открытию выставки предшествовал выпуск каталога с кратким описанием наиболее выдающихся картин и данными о званиях и академических должностях их авторов. Широкий отклик, неизменно находивший свое отражение на страницах газет, журналов и специальных изданий, сыграл немаловажную роль в становлении и дальнейшем развитии художественной критики, одним из родоначальников которой был Д.Дидро, писавший о Салонах в 1759-1781 гг.

С 1848 г. выставки стали устраиваться во дворце Гран Пале на Елисейских полях. Во времена правления Наполеона I было учреждено специальное жюри Салона, официальный государственный орган, занимавшийся отбором работ и поддерживающий, как правило, академическое искусство.

Жюри отрицательно относилось ко всякому нарушению традиций, поэтому появление в Салоне произведений романтиков, реалистов и начинающих импрессионистов вызывало острую и непримиримую борьбу, накал которой зачастую свидетельствовал о степени их новизны и художественной значимости. С середины XIX в. в знак протеста против официально проводимой жюри политики в области искусства стали возникать независимые художественные выставки (выставка Г.Курбе "Реализм", 1855; "Салон Отверженных", 1863; выставки импрессионистов, с 1874). В 1881 г. Салон переходит в ведение Общества французских художников и утрачивает свой официальный характер. С этого времени начинают проводиться ежегодные "Весенние салоны", а с 1903 г. и "Осенние салоны". В конце XIX в. возникают авангардные выставки, также называющиеся салонами ("Салон Независимых", 1884). По аналогии с французскими салонами, стали называть художественные выставки и в других странах ("Московский салон", 1910-1921).

Салоннное искусство

(от Салонов - официальных художественных выставок, проводимых во Франции) - консервативное направление в искусстве Европы и Америки XIX-ХХ вв., опирающееся в основном на нормы академизма и позднего классицизма. Представители этого искусства пользовались также некоторыми приемами романтизма, а затем реализма и натурализма, но воспринимали только их внешнюю сторону, не проникая в суть художественного метода. Характерные черты этих произведений: эффектная красивость композиции, однозначность содержания, прямолинейная трактовка сюжета, формальная завершенность, ремесленническая виртуозность исполнения и сделанность фактуры, имитирующие подлинное художественное мастерство, слащавая экзальтация в передаче идеализированных образов, ориентация на вкус массового зрителя, эротика, носящая явно выраженный развлекательный характер, насаждение "хорошего вкуса" и неприятие нового, коммерциализация искусства. Во Франции расцвет салонного искусства падает на 1852-1870 гг., хотя многие его черты угадываются уже в творчестве художников, близких к романтизму (О.Верне, Э.Девериа) и живописцев так называемой "золотой середины" (П.Деларош, Э.Мейсонье). Крупнейшими представителями салонного искусства второй половины XIX в. были Т.Кутюр, А.Кабанель, В.Бугро, Ж.Л.Жером, Ф.Кормон, портретисты Ш.Шаплен, Ф.Винтерхальтер, Э.О.Каролюс-Дюран. Излюбленными жанрами были мифологический и аллегорический, служившие поводом к изображению обнаженной натуры, исторический, напоминающий костюмную мелодраму, бытовой, близкий к анекдоту, портрет, изображающий приукрашенную идеализированную модель.

Свет

(англ. light, shine, франц. lumiere, jour, нем. Licht, Schein) - электромагнитное оптическое излучение, включающее, наряду с видимым излучением - собственно светом, -ультрафиолетовую и инфракрасную области. Электромагнитные волны, находящиеся в диапазоне видимого излучения, попадая на светочувствительные клетки сетчатки глаза, вызывают зрительное ощущение. Затем зрительный нерв передает возбуждение в зрительные центры головного мозга, где также возникает ощущение цвета.

Поскольку поверхность предметов обладает различной отражательной способностью, человеческий глаз способен воспринимать как различные цвета, так и их многочисленные оттенки. Ощущение белого цвета возникает при максимальном отражении и оптическом смешении в глазу зрителя лучей всех семи цветов солнечного спектра (красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего, фиолетового), ощущение же черного цвета, наоборот, появляется при полном их поглощении. Если же одна часть лучей поглощается, а другая отражается, то человеческий глаз воспринимает различные цветовые тона. Соединение собственно света с цветом среды происходит в том случае, когда лучи света проходят через прозрачную окрашенную среду.

В результате отражения, поглощения и преломления лучей света возникают хроматические цвета, обладающие цветовым тоном, отличающимся от ахроматических - белого, черного и серого.

В живописи под светом понимается освещение изображаемой натуры, вызванное либо изображенным источником света (солнце, луна, свеча и т. д.), либо его отражением (блик, рефлекс). Свет лежит в основе такого важного выразительного средства, как светотень. Сам свет и его сила передаются в произведении с помощью светлоты цвета и тона, а также контрастных световых отношений. В основном максимальная яркость света совпадает с максимальной яркостью цвета, но иногда может случиться так, что яркий блик утратит свою интенсивность и обесцветится. Так, на полотнах импрессионистов стремление к воспроизведению сильного солнечного света в сочетании с использованием чистых красок спектра приводит к выбеливанию колорита вследствие обесцвечивания красок.

Светлота цвета

Одно из основных качеств цвета, связанное с количественным соотношением отраженного света и поглощенного поверхностью предмета цвета. Уровень светлоты окрашенных объектов определяется при сравнении их с ахроматическими объектами и при выявлении степени их приближения к белому цвету, отражающему максимум света, и удаления от черного цвета, поглощающего максимум света.

Световоздушная среда

Заполнение пространства живописного полотна изображением различных атмосферных состояний природы (туман, дождь, снег, солнечный свет).

Первую попытку передачи световоздушной среды предприняли в XV-XVI вв. представители венецианской школы живописи - Дж.Беллини, Джорджоне и Тициан. На их полотнах солнечный и ночной свет получил конкретное эмоциональное воплощение. Дальнейшая разработка проблемы световоздушной среды наблюдается в живописи XVII-XVIII вв. в голландском пейзаже, венецианской ведуте, в работах Рембрандта, Д.Веласкеса, А.Ватто, Дж.Тьеполо.

Честь открытия реальной световоздушной среды с постоянно происходящими в природе изменениями атмосферных условий и ослепительным блеском солнца принадлежит крупнейшим живописцам начала XIX в. Дж.Констеблу, К.Коро и А.А.Иванову. Но объектом пристального внимания она стала в середине XIX в. в творчестве художников-импрессионистов, поднявших ее воспроизведение на небывалую высоту.

Светотень

(англ., итал. chiaroscuro, франц. clair-obscur, нем. Hell-dunkel) - постепенные переходы светлого и темного, распределение цветов по степени яркости, которые помогают воспроизвести объем изображаемого предмета, окруженного световоздушной средой. Светотень является важным выразительным средством, обладающим большим эмоциональным воздействием, способным передать не только постоянные свойства материального мира, но и изменчивость среды и атмосферных состояний.

Сезаннизм

(по имени французского постимпрессиониста П.Сезанна) - течение в живописи ХХ в., в основе которого лежат приемы, свойственные художественной манере П.Сезанна. Главными признаками сезаннизма являются использование контрастных цветов и создание с их помощью геометричной и обобщенной материальной формы, обладающей объемом и устойчивостью конструкции.

Влияние П.Сезанна особенно ярко проявилось в раннем кубизме и в творчестве русских художников, входивших в объединение "Бубновый валет" (П.П.Кончаловского, И.И.Машкова, А.В.Лентулова, Р.Р.Фалька и мн. др.).

Символизм

(от греч. symbolon - символ, знак) - направление в европейском и американском искусстве на рубеже XIX и ХХ вв., в основе которого лежал образ-символ, выражающий в аллегорической форме скрытый смысл художественного произведения.

Представители символизма относились к различным стилевым направлениям (поздний романтизм, академизм, постимпрессионизм, модерн), но все они были едины в поиске новых путей передачи неких таинственных сил, будто бы правящих миром, смутных недостижимых идеалов, неуловимых смысловых оттенков и психических состояний. Большую роль при этом играли многозначность образа, причудливая игра метафор, аллюзий и ассоциаций. Символизм возник как своего рода реакция на ограниченность позитивистской эстетики позднего, утратившего свое величие реализма и натурализма.

Среди крупнейших представителей символизма можно назвать П.Пюви де Шаванна, Г.Моро, П.Гогена, М.Дени, О.Редона во Франции, Д.Г.Россетти и Э.Бёрн-Джонса в Англии, М.Клингера и Ф.фон Штука в Германии, Э.Мунка в Норвегии, А.Бёклина, Ф.Ходлера в Швейцарии, А.Райдера в США, М.А.Врубеля, В.Э.Борисова-Мусатова, Н.К.Рериха и П.В.Кузнецова в России.

Синтетизм

(франц. synthetisme) - направление во французской живописи конца XIX в., характерными признаками которого являются декоративное использование цветовых пятен, отсутствие детализации изображения и символический характер образов, взятых из воображения или ностальгических воспоминаний.

Возникновение этого термина связано с выставкой полотен П.Гогена и его последователей, художников Понт-Авенской школы, проходившей в 1889 г.

Спектральные цвета

Семь цветов солнечного спектра (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый), составляющие при оптическом смешении видимый глазом дневной естественный свет. Все цвета расположены в строгом порядке. Каждые соседние цвета через множество оттенков могут переходить друг в друга. Замыкающие спектр красный и фиолетовый цвета переходят в невидимые глазом инфракрасные и ультрафиолетовые зоны.

Тень

(англ. shade, shadow,франц. ombre, нем. Schatten) - скрытые от источника света, наименее освещенные детали художественного произведения, изображенных в нем фигур, предметов, пространства. Различают тень объемной формы и падающую тень. Понятие тени не совпадает с понятием темного, так как тень на светлом предмете, например, отличается обилием рефлексов и поэтому бывает очень легкой. Импрессионисты первыми отказались от темных, черных теней в пользу цветных и прозрачных.

Теплый цвет

Цвет, относящийся к теплой части спектра (красные, оранжевые, желтые тона).

Техника

(от греч. techne - искусство, мастерство) - совокупность знаний, навыков, способов и приемов, необходимых для создания художественного произведения.

В более узком специальном смысле техника означает индивидуальную манеру художника, его почерк, способ нанесения мазка и т. д., приближаясь по значению к понятию мастерства.

Тон

(франц. ton, от греч. tonos-ударение, напряжение) -

1) начальный, простейший элемент светотени в природе и в художественном произведении: степень светлоты, светонасыщенность отдельных участков пространства, фигур и предметов в зависимости от интенсивности их освещенности. Так как природный диапазон света и тени красящих материалов гораздо больше того, который в силу технических причин может себе позволить художник, в живописи и графике существует не столь обширная, но довольно богатая оттенками пропорциональная шкала для воспроизведения естественного светотеневогo тона;

2) начальный, простейший элемент цвета в природе и колорита в художественном произведении: интенсивность цветового оттенка, соответствующего воспроизводимому участку натуры или изображения по отношению к основным цветам спектра, выражающее его отличительные черты (огненно-красный, золотисто-оранжевый, лимонно-желтый и т. д.);

3) общий светотеневой строй художественного произведения или мотива, определяемый целым диапазоном его светотеневых градаций от самого темного до самого светлоro тона;

4) общий тон, близкий по значению к тональности и цветовой гамме полотна - цветовой строй художественного произведения или мотива, его основной оттенок, обобщающий и подчиняющий себе все цвета картины, создающий единый колорит (золотистый, теплый, холодный и т. д.) и лежащий в основе "тональной" живописи.

Тональность

(франц. tonalite) - общий колористический или светотеневой строй произведения живописи или графики. Чаще употребляется по отношению к цвету, приближаясь по значению к понятию цветовой гаммы и общего цветового тона.

В графике указывает на характер общего светотеневого тона.

Фактура

(лат. factura - обработка, строение) - характер поверхности и ее воспроизведение в художественном произведении. Фактурные особенности зависят от физических свойств натуры (яркие природные краски передаются в живописи более густыми рельефными мазками), от назначения и размеров произведения (фактура эскиза или этюда более свободная, чем фактура картины). В XVI - XVIII вв. художники отдавали предпочтение гладкой, "скрытой" фактуре живописи, а в XIX - ХХ вв. они открыли для себя "явную" фактуру, используя для ее создания широкий мазок и неровно нанесенные слои краски.

Фовизм

(от франц. fauve-дикий), "дикие" - направление во французском искусстве начала ХХ в., крупнейшими представителями которого были А.Матисс, Ж.Руо, А.Дерен, А.Марке, М.Вламинк, Ж.Брак, Р.Дюфи, О.Фриез, Ж.Фландрен, К. ван Донген. Впервые фовисты громко заяви ли о себе на парижской выставке 1905 г. Публика была шокирована настоящей вакханалией цвета, "дикой" выразительностью кричащих красок, что и послужило причиной возникновения столь странного названия.

Имеющая декоративную направленность живопись фовистов отличается преимущественным использованием насыщенных чистых цветов, контрастным сочетанием хроматических плоскостей, заключенных в темный широкий контур, обобщенностью формы, лишенной объема и данной вне законов линейной перспективы.

Некоторые черты, непосредственно присущие фовизму, объединяли его с одновременно возникшим с ним экспрессионизмом.

Фон

(франц. fond, букв. - дно, глубинная часть) - задний, пространственный план композиции. Он может быть нейтральным (лишенным какого-либо изображения) или включать в себя элементы пейзажа, интерьера, орнамент и т.д.

Футуризм

(от лат. futurum-будущее) - литературно-художественное направление в Италии и России начала ХХ в. Его появление было ознаменовано опубликованием в 1909 г. "Манифеста футуризма" итальянского поэта Ф.Т.Маринетти.

В следующем году Ф.Т.Маринетти оказался во главе группы художников, полностью разделявших его взгляды: У.Боччони, К.Карра, Л.Руссоло, Дж.Северини, Дж.Балла.

В своих многочисленных программных документах футуристы полностью отвергали завоевания традиционной культуры и все свои помыслы обращали в будущее, связывая их с развитием индустриальной эпохи все ускоряющихся темпов жизни.

Творчество футуристов во многом обусловлено влиянием кубизма, но они отвергали его основополагающий принцип анализа формы и стремились к непосредственному эмоциональному отображению окружающего их мира высоких скоростей.

Футуристы разработали особый тип картины, так называемые "энергетические" композиции, представляющие собой раздробленные на фрагменты геометрические фигуры и пересекающие их острые углы. Один из основных принципов их построения - симультанность, одновременное представление различных моментов движения.

Футуристы выдвинули идею открытого произведения искусства, которое включает в себя реальное пространство и охватывает зрителя со всех сторон (пластико-динамические комплексы Дж.Балла).

После первой мировой войны движение футуристов идет на спад, но в 1920-х гг. его принципы возрождаются в движении "второго футуризма" (Э.Прамполини, Ф.Деперо).

В России футуризм был представлен кубофутуристическими работами Д.Д.Бурлюка и О.В.Розанова.

Холодный цвет

Цвет, находящийся в холодной части спектра (синие, голубые, фиолетовые и зеленые тона).

Хроматизм

(греч. chromatismos - окраска) - наличие в окраске предмета цветового тона, определяющего оттенок цвета, его основные свойства.

Цвет

(англ. colour, франц. couleur, нем. Farbe) - свойство света вызывать определенные зрительные ощущения в соответствии со спектральным составом отражаемого или испускаемого излучения. В узком смысле слова цвет - это цветовой тон (синий, зеленый, красный и т. д.), который наряду со светосилой, насыщенностью и яркостью определяет отличительные особенности и основные свойства данного цветового оттенка.

В широком смысле под цветом понимается вся совокупность градаций, взаимодействия, смешения, изменчивости тонов и оттенков. Цвет обладает огромной силой эмоционального воздействия, способного вызвать у зрителя сложную гамму чувств и настроений при восприятии им художественного произведения. На протяжении всей своей истории человечество выработало целую систему ассоциаций, связанных с тем или иным цветом, имеющих особое символическое значение.

Использование цвета в живописи опирается на цветовое богатство в природе, но в силу несовершенства используемых художником средств имеет ряд ограничений. Чтобы их преодолеть, в искусстве разработаны основные принципы создания колорита, которые помогают отобрать нужные тона и оттенки для образования соответствующей красочной гаммы.

В истории живописи известно несколько систем применения и трактовки цвета. Одна из них основана на локальном цвете, воспроизводящем цвет предмета в натуре или его символическое значение. При этом сопоставление различных цветов образует удивительные по выразительности декоративные сочетания. В основе другой системы лежит создание колористической аналогии реального мира при помощи наложения красочных слоев друг на другa, их просвечивания, использования системы тональностей, контрастов, нюансов, цветных теней и бликов, рефлексов, валёров, позволяющих придать форме объем и определить ее место в пространстве, удаление от зрителя, воздействие на изображаемый предмет света и различных атмосферных условий.

В XIX-ХХ вв. происходит постепенный отказ от локального и неизменяющегося цвета в пользу динамичного, раздробленного на основные цвета спектра.

В дальнейшем наблюдается переход к условному цвету, к его метафизическому значению, к цветовой экспрессии, служащей художнику средством самовыражения, а также цветовому конструированию мира и его форм с помощью контрастных холодных и теплых тонов и других средств, возникающих в процессе развития живописи.

Экспрессионизм

(франц. expressionisme, от expression - выразительность, выражение) - литературно-художественное направление, возникшее в начале ХХ в. и особенно ярко проявившееся в Германии и Австрии. Его появление было очень тесно связано с деятельностью дрезденовского объединения художников "Мост", основанного в 1905 г. Самыми первыми его участниками были Э.Л.Кирхнер, Э.Хеккель, К.Шмидт-Роттлуф, Ф.Блайль, затем к ним присоединились Э.Нольде и М.Пехштайн. В поисках новых выразительных средств они обращались к африканской пластике, искусству немецкой готики и народному творчеству. Участники "Моста" работали в жанре гравюры на дереве, что оказало сильное влияние на стилистику их живописных работ.

Дальнейшее развитие экспрессионизма происходило в среде художников, объединившихся в рамках группы "Синий всадник", возникшей в 1911 г., лидерами которой были В.В.Кандинский и Ф.Марк. В нее входили А.Макке, П.Клее, А.Явлинский, Г.Кампендок, А.Кубик. Своим творчеством, основанным на мистицизме, они пытались выразить внутренние закономерности, по которым развивается природа, прибегая к отвлеченным красочным сочетаниям и формообразующим структурам.

Экспрессия

(лат. expressio - выражение), экспрессивность - термин, применяемый к натуре и художественному произведению и означающий выразительность, силу проявления чувств и различных эмоциональных состояний. Как правило, служит для характеристики силы воздействия произведения искусства в целом или его отдельных деталей.

Этюд

(франц. etude, англ. study, нем. Studie) - художественное произведение вспомогательного характера, выполненное с натуры и служащее для ее изучения. В этюдах художник разрабатывает некоторые детали и образы будущей композиции. Иногда, отталкиваясь от натуры, он создает отличную от нее работу в расчете на задуманную картину. Этюды могут иметь вполне самостоятельное значение и играть важную роль в творчестве живописца (пейзажные и фигурные этюды А.А.Иванова).

Яркость цвета

Свойство цвета, определяемое его цветовым тоном, насыщенностью и светлотой, вызывающее ощущение сильно освещенной поверхности.